El genio no cabe en una sola caja: Cómo el arte oculto de figuras históricas está reescribiendo su legado

Pregunta y Respuesta: Desentrañando al Genio Polifacético

¿Qué está pasando realmente cuando un museo como la National Gallery de Londres dedica, por primera vez, una exposición a un pintor paisajista mexicano del siglo XIX?

Lo que ocurre es mucho más que una simple retrospectiva. La reciente muestra sobre José María Velasco no solo rescata a un artista fundamental para la identidad mexicana, sino que destapa una tendencia cultural más profunda y silenciosa que ha madurado en los últimos meses: estamos desempolvando las facetas ocultas de los grandes genios de la historia. Ya no nos basta con el científico, el escritor o el político canonizado; buscamos al artista que se escondía en sus ratos libres, al experimentador que desafiaba las categorías de su tiempo. Esta mirada retrospectiva no es un acto de nostalgia, sino una reinterpretación activa que nos obliga a preguntarnos si alguna vez entendimos realmente la complejidad de la creatividad y el poder.

¿Cómo se manifiesta esta convergencia entre arte y otras disciplinas?

El caso de José María Velasco (1840-1912) es paradigmático. Conocido como el pintor del Valle de México, su obra es un punto de encuentro entre el romanticismo pictórico y una rigurosidad científica casi de naturalista. Estudió botánica, zoología y geología, y sus lienzos son documentos precisos de la topografía y la flora de su país. Cuando pintaba rocas, no solo veía formas, sino también procesos geológicos milenarios. Esta fusión de arte y ciencia, que le valió la presidencia de la Sociedad Mexicana de Historia Natural, desafía nuestra tendencia a encasillar el conocimiento.

No fue el único. Al otro lado del Atlántico, Victor Hugo (1802-1885), el gigante de la literatura francesa, llenaba los márgenes de sus manuscritos con más de 4.000 dibujos. Lejos de ser meros pasatiempos, eran obras experimentales y visionarias. Con manchas de tinta, café o el hollín de una vela, creaba paisajes sombríos y figuras abstractas que se adelantaron por décadas al surrealismo y a la abstracción. Artistas como Delacroix afirmaron que, de haberlo querido, Hugo habría sido uno de los grandes pintores de su siglo. Su arte visual no era un apéndice de su literatura, sino un laboratorio paralelo de su imaginación, un espacio de libertad sin la presión del público.

¿Qué nos dice este redescubrimiento sobre la naturaleza de la creatividad misma?

Nos revela que el genio es menos un monumento de mármol y más un ecosistema de ideas caóticas y hábitos extraños. La ciencia ha comenzado a validar intuiciones que artistas y pensadores practicaban en secreto. Un estudio reciente publicado en Science Advances confirmó la eficacia de la técnica de las "micro-siestas" utilizada tanto por Salvador Dalí como por el inventor Thomas Edison. Ambos se dormían sosteniendo un objeto metálico que, al caer, los despertaba justo en la fase de transición al sueño (N1), un "punto dulce creativo" donde el cerebro establece conexiones inusuales.

Que el maestro del surrealismo y el padre de la bombilla eléctrica compartieran un método tan peculiar para estimular la creatividad es una disonancia cognitiva reveladora. Demuestra que la búsqueda de la chispa creativa trasciende las disciplinas y humaniza a estas figuras, mostrándolas no como receptores pasivos de la inspiración, sino como buscadores activos y metódicos de nuevas formas de pensar.

¿Existe una dimensión política en esta revisión del pasado?

Absolutamente. Revisar el legado de estas figuras implica cuestionar quién construye la historia y con qué propósito. La obra de Velasco, por ejemplo, fue instrumental en la construcción de una identidad nacional mexicana post-colonial, una que integraba el pasado prehispánico, el legado colonial y la promesa de un futuro moderno. Sus paisajes no eran solo vistas, eran declaraciones políticas sobre lo que significaba ser mexicano.

Esta función del arte como herramienta para reescribir narrativas sigue vigente. El reciente festival de fotografía de Arlés, bajo el lema "Imágenes indóciles", se centró en artistas que utilizan la cámara para devolver la voz a pueblos originarios, comunidades marginadas y disidencias, desafiando activamente la herencia colonial. Así, el gesto de redescubrir el arte oculto de un genio del siglo XIX y el de dar una plataforma a un fotógrafo indígena contemporáneo responden a un mismo impulso: desmontar el relato hegemónico y proponer una visión del mundo más plural y compleja.

¿Hacia dónde evoluciona este debate?

Este fenómeno no es una moda pasajera, sino una etapa madura en nuestra relación con el pasado. El interés por el arte de Victor Hugo, la ciencia de Velasco o las técnicas de Dalí indica un agotamiento de las biografías unidimensionales. En un mundo fragmentado por la inmediatez informativa, crece la necesidad de narrativas integradoras y holísticas que reconozcan la contradicción, la multiplicidad y la interconexión.

El tema, por tanto, no está cerrado. Sigue evolucionando a medida que nuevas investigaciones, exposiciones y biografías —como la reciente sobre el chileno Roberto Matta o las memorias sobre la influencia de Suze Rotolo en Bob Dylan— nos obligan a mirar de nuevo. Estamos aprendiendo que para entender a un genio, no basta con admirar su obra más famosa; hay que atreverse a explorar los bocetos, los experimentos fallidos y los pinceles ocultos. Es en esos márgenes donde, a menudo, reside la verdadera clave de su poder y de su humanidad.